공간에 경쾌한 분위기를 선사할 통통 튀는 그래픽 패턴 아이템을 모아봤다.                  

     

독일 훔볼트 포럼에는 설치 작품 ‘제한의 동상 Statue of Limitations’이 설치되어 있다. 이 작품을 두고 한 인터뷰에서 식민주의 역사의 범죄를 다시금 상기시키는 역할을 해줄 것이라고 밝힌 바 있다. 이 작품을 만들게 된 연유가 궁금하다. ‘제한의 동상 Statue of Limitations’은 독일의 식민 통치 시대에 다른 나라로부터 갈취한 소장품을 모아 이를 전시하며, 국가적 과오의 성찰을 시도하려는 훔볼트 포럼의 문화 프로젝트에 대한 나의 메시지를 던지는 프로젝트의 일환이다. 한국인들이 오래도록 싸워야만 했던 일제강점기와 같이 당시 독일은 그들의 식민지, 특히 오늘날 나미비아 민족을 간악하게 착취했다. 심지어 강제수용소에 수용된 포로들이 참수된 동료들의 두개골을 닦게 하거나, 과학 발전을 위한 연구라는 미명하에 그들을 유럽의 여러 대학과 박물관에 실험체로 투입시키는 인종차별적이며 반인륜적인 행위를 저지르는 상황도 빈번했다. 식민지에서 갈취한 수많은 유물은 끔찍한 고통과 핍박의 산물이다. 최근에 들어서야 식민주의의 범죄에 대해 새롭게 논의할 필요성이 논의되며 수면 위로 떠오르고 있지만 여전히 과거에 대해 책임지기보다는 부정하고 싶은 마음이 잔존하고 있다. 이는 세계 사회가 맞닥뜨려야 하는 도전이라 생각한다.

   

마치 창이 바닥을 뚫고 올라온 듯 설치되는 방식도 흥미롭다. 무엇을 형상화한 것인가? 아프리카가 독일의 식민 지배 통치를 받던 기간에 독일로 강제 이주된 아프리카인들은 동등한 인격을 지닌 인간이 아닌 그저 가축과 같은 동물처럼 취급받곤 했다. 당시 독일에서는 커다란 공공 광장 옆에 공원을 개조해 동물원에 있는 동물처럼 베를린 대중에게 그들을 전시할 계획이었으나, 1차 세계대전의 발발로 그 계획이 무산됐다. 해석에 따라서는 창으로 보일 수도 있겠지만 사실 청동을 소재로 제작한 11m가량의 조각상인 ‘제한의 동상 Statue of Limitations’은 깃발이 달린 깃대를 형상화한 것이다. 이 거대한 깃대는 훔볼트 포럼 내부에서부터 시작돼 지상을 관통하는 형태를 취한다. 그런 이유로 훔볼트 포럼 내부에서는 오직 천장을 뚫는 듯한 깃대의 하단부만 볼 수 있고, 날카로운 상단부는 베를린 웨딩 구역에 위치한 아프리카 지구인 나흐티갈 플라츠 Nachtigalplatz에 치솟아 있는 것을 곧 볼 수 있다. 깃발과 깃대는 당시 식민 지배를 일삼았던 독일인에게 동등한 인간으로 대우받지 못했던 모든 피지배인을 위한 애도를 상징한다.

             

앞선 작품에서 충분히 느낄 수 있듯 건축가로 활동을 시작해 건축에 기반한 예술을 선보이고 있다. 건축의 어떤 매력에 끌렸는가? 원래 미술 전공으로 진학을 고려하고 있었지만, 당시 미술을 가르쳐주신 은사님께서 독일 아헨 공과대학의 1학년 건축학도들한테 과제를 내주신 적이 있었다. 그때 접했던 시각적 표현에 대한 건축적 접근에 매료됐다. 건축이 삶의 환경과 삶의 방식을 형성하는 방법에 매력을 느끼게 된 것이다. 또한 미술이 지닌 특유의 배타성과 사회적 제약에 비해 건축은 내게 더 평등한 학문으로 느껴졌다. 그러나 건축 전공으로 대학에 진학한 이후 대학의 교육 체계에 불만이 생기기 시작했다. 교수님들께서 내 작품을 보시곤, 예술가가 아닌 건축가가 되고 싶은 것이 확실하냐고 물었을 정도다. 건축에 대한 교수님들의 접근법과 그들이 제시하는 방법론을 따르는 것에 강한 거부감을 느낀 거다. 이후 스위스의 헤르초크&데 모이론 Herzog&de Meuron의 건축 인턴십 과정에서 처음으로 공감할 수 있는 건축적 사고를 할 수 있게 되었고, 졸업 후에도 한동안 그곳에서 근무했다.

   

당신의 건축가적 기반은 앞서 말한 ‘제한의 동상 Statue of Limitations’ 등에서도 드러나지만, 우르휘테 Urhütte에서도 내공을 여실히 느낄 수 있었다. 나뭇가지라는 소재를 중심으로 이런 생각을 떠올리게 된 과정이 궁금하다. 독일어로는 Urh tte라 부르는 것은 건축학에 사용되는 개념이다. 인류에게 건축이라 불리는 일련의 것에 대한 시작점은 ‘인간이 만든 최초의 건축 구조는 무엇입니까?’라는 질문에서부터 시작된다. 나는 두 개의 Y자형 나뭇가지를 이용해 이러한 질문을 구현하려 해봤다. 이 나뭇가지들이 서로 맞물리게 두어 가장 근본적이고 효율적인 기하학적 구조이자 안정적인 설계 구조를 표현한 것이다. 나는 오늘날 인류라 불리는 종족의 모습에 근접하지조차 않은 과거의 누군가가 이 원시적이지만 놀랍게도 건축적인 행위 하나로 지금 우리가 영위하는 건축과 예술의 시작을 위한 길을 닦았다고 상상하고 싶다.

주로 어디서 영감을 받는가? 내게는 너무 어려운 질문이다. 아마 무의식적인 과정에서 영감을 얻을 수도 있고, 어쩌면 우연히 마주치는 것을 통해 얻을수도 있겠다. 사실 아마도 이 둘은 크게 다르지 않을지도 모른다.

       

      세계 최초로 도자 와 디자인을 접목한 그는 특유의 모던하고 심플한 디자인을 통해 하나의 아트 오브제를 보는 듯한 테이블웨어와 장식을 선보이며 지노리의 제품을 단순한 생활용품이 아닌 오브제 같은 예술의 영역으로 승화시키는 데 성공한다. 매력적인 프린트로 사랑받는 리처드 지노리 컬렉션의 초석을 다진 것이다. 이러한 변화는 2013년 구찌와의 인수 합병을 거친 후 브랜드명을 지노리 1735로 바꾸고, 새로운 아트 디렉터 알레산드로 미켈레가 브랜드를 이끄는 현재까지도 이어진다. 이는 다양한 색과 플라워 프린트로 우아함과 동양적인 면모를 극대화한 오리엔테 이탈리아노 Oriente Italiano, 영국 출신의 아티스트 루크 에드워드 홀 Luke Edward Hall과 함께 그리스 로마 신화를 현대적으로 재해석한 일 비아지오 디 네투노 Il Viaggio di Nettuno 컬렉션 등 현재 대표적인 시그니처 컬렉션 라인만 보더라도 충분히 짐작할 수 있다.     이렇듯 다채로운 디자인 프린트가 빛을 발할 수 있었던 이유는 오랜 시간 최고의 도자를 만들기 위해 쌓아온 노력이 기저에 있었기에 가능하다. 모든 공정이 이루어지는 세스토 피오렌티노 공장에서 하나의 도자가 탄생하기까지는 까다로운 절차가 요구되는데, 석영과 장석, 고령토로  만들어지는 리차드 지노리의 모든 도자는 처음 소성 단계부터 장식 마감에 이르기까지 세세한 공정과 생산 품질 검사 과정을 거친다. 이러한 과정 을 거친 후에도 제품의 순도와 결함 유무를 확인하기 위한 테스트를 재차 실시한다고. 특히 이렇게 탄생한 도자에 장인들을 통해 세세히 구현되는 색감과 장식 마감에서 드러나는 화려한 기교는 유럽에서 두 번째로 오래된 도자 브랜드다운 관록마저 느낄 수 있는 대목이다. 식탁을 빛내는 테이블웨어 부터 공간의 힘을 싣는 화려한 센터피스 오브제까지 멋스럽게 변모하는 리차드 지노리의 행보를 더욱 주목하면 좋겠다. 현재 국내에서는 크리에이티브 랩을 통해 지노리 1735의 다양한 컬렉션을 만나볼 수 있다.