스페인 기반의 패션 하우스 로에베는 매년 유구한 예술과 그에 기반한 작가의 기술과 노고에 경의를 표한다. 170여 년이라는 묵직한 브랜드 역사의 명맥이 소재를 이해하고 다루는 장인 정신에 있다고 여기는 크리에이티브 디렉터 조나단 앤더슨이 생활과 미학을 아우르는 예술인 공예의 가치에 집중했기 때문이다. 이에 대한 일환으로 2016년부터 시행해 온 로에베 크래프트 어워즈는 비록 그 기간은 짧지만, 국적을 불문하고 2500여 점이 출품된다는 점만 보더라도 장인의 손에서 정교하고도 섬세한 결과물을 조명하는 시간으로 자리매김했음을 알 수 있다. 그중 2019년이 유독 뜻 깊을 수 있는 이유는 무수한 예술의 갈래가 한데 모이는 이곳에서 4명의 한국 작가가 29인의 최종 후보자로 당당히 자리했기 때문이다. 특히 각각의 한지를 정교히 꼬아 하나의 심을 만들고, 각각의 심을 다시 서로 엮어 만든 항아리를 차곡히 쌓아 구성한 세 개의 기둥 형태의 코쿤 시리즈는 당시 전시장에 들어서자마자 무엇보다 압도적인 위용을 과시했다. 꼬임 하나하나의 섬세함이 합쳐져 구현된 이 아름다운 예술품은 바로 지승공예가 이영순 작가의 손에서 탄생한 것이다.         물론 하나의 작품을 만들어 내기까지는 일일이 나열할 수 없는 시간과 수고로움이 필히 덧대어져야만 한다. 형태가 아무리 조그마할지라도 소요되는 시간이 일주일은 족히 걸린다. 크기에 따라 한 두달 혹은 그 이상의 시간을 꼬박 할애하기도. 하나의 심을 만들기 위해 고서의 파본이나 오래된 한지를 일일이 비비는 끈처럼 만드는 기초 작업이 우선 되어야 할뿐 아니라, 이를 하나의 형태로 엮어내는 수고로움과 인내는 반드시 수반되는 요소다. 재료를 점점 더 구하기 힘들어진다는 점 또한 계속해서 당도해야 하는 해결 과제다. 요즘의 한지는 모조지를 섞어 만드는지라, 심을 만들 경우 더러 끊어지기 일쑤다. 재배가 쉽지만 얇게 자라는 동남아 지역의 닥나무를 원료로 사용하기 때문. 이에 옛 한지를 사용한 오래된 서적의 파본 등을 사용하나, 가격이 비쌀 뿐더러 수량의 문제 등 여러모로 공수가 까다롭다. 그럼에도 이영순 작가는 이를 너끈히 수용하며 지승 공예를 스스로 감내하는 예술이라 말한다. “계속 손가락을 비비다 보니 지문도 닳아 없어지고 뼈도 이리저리 휘었지. 그런데 몸은 쓰라고 있는 거잖아. 조급해하면 얼기설기 엮여서 못생겨져. 세월아 네월아 하는 담담함이 필요해. 시간에 얽매일 수 있는 영역이 아니야.” 시선을 내리자 보이는 그녀의 손은 그 말처럼 담담하게 작품을 향해 쏟아온 영광스런 흔적이 여실했다.       지승에 사용되고 남은 재료로 평면화 작업에 도전해 현대미술과 전통 공예의 결합을 꾀한 과감한 작업 또한 시도한 바 있다. 나아가 이영순 작가는 국내뿐만 아니라 지승 공예의 미학을 세계적으로 알리는 프로젝트도 병행하는 중이다. 올해 6월 열리는 밀라노 디자인 위크에서 공개될 로에베 크래프트 전람회에 메인 작가로 참가하며 인연을 이어가는 한편, 같은 해에 개최될 뉴욕 아트 페어나 미국의 유명 백화점 보그도프 굿맨에서도 곧 그녀의 작품이 비치된다는 소식을 전했다. 가장 전통적인 것이 이제는 가장 현대적인 것 일 수 있음을 지금 이영순 작가의 공예품이 직접 증명해 나가고 있는 셈이다. 그리고 여전히 그녀는 잊혀져 가는 전통 예술에 불어넣은 일말의 숨이 훗날에도 그 어떤 빛바램 없이 고스란히 이어나가고 있음을 믿는다. “현대에 사는 사람이 과거와 미래를 연결해주는 건 지금을 살고 있는 이들의 의무와 책임이야. 한번 없어지면 다시 생명력을 찾기 힘든 일이니까. 비단 종이 공예가 아니더라도 나같은 사람이 어떤 영역이든 간에 또 하나쯤은 있을거야. 이 사람들이 하는 노력이 부디 저 먼 날에도 잘 닿기를 바랄  뿐이지”라고 전하는 말처럼.