2022년 하반기 메종&오브제와 파리디자인위크 2022는 팬데믹 이후 디자인 르네상스가 펼쳐졌다고 해도 과언이 아닐 만큼 다양하고 화려한 쇼와 전시로 도시를 들썩였다. 지난 몇 년간 실내 디자인에 대한 관심이 늘어나면서 성장한 업계의 규모를 제대로 확인할 수 있었으며, 현대미술 갤러리의 활발한 참여를 통해 앞으로 확대될 디자인 영역까지 예측해볼 수 있는 기회였다. 새로운 시도와 놀라움이 가득했던 파리디자인위크 2022의 하이라이트를 모았다.  

Maison&Objet

    메타 센서블 Meta Sensible을 주제로 한 이번 메종&오브제는 메타버스 세계관이 유행하는 트렌드에 집중했다. 이제 물리적 세계와 디지털 세계는 서서히 병합되고, 교차 수정되어간다는 흐름과 함께 메타버스가 견인력을 얻으면서 판타지 세계에서 영감을 받은 인테리어, 예를 들어 곡선의 실루엣과 풍선껌 같은 부드러운 색상의 가구가 전시장에 많이 등장했다. 디지털 세상의 트렌드가 현실세계로 연장되는 것이다.       올해의 디자이너로 크리스티나 첼레스티노Christina Celestino가 선정된 것도 이러한 주제와 전혀 무관하지 않다. 어린 시절 제과점 인테리어 디자인에 매료되어 그 공간이 가진 기하학적 아름다움에서 영감을 받아 가구를 디자인하는 그녀의 작업은 메타버스 세계에 놓여져도 전혀 어색하지 않다. 둥글고 부드러운 색채를 조화롭게 구현하는 첼레스티노는 이번 행사를 위해 7관에 전형적인 파리 카페에서 영감을 받은 비스트로 ‘이그조틱 팰리스 Exotic Palace’를 선보였다. 이국적인 아름다움과 장식, 컬러에 대한 열정이 그대로 반영된 공간은 또 다른 현실세계로 들어가는 통로가 되어준다.     라이징 탤런트 어워즈는 메타버스 주제와는 별개로 지속가능성에 대해 고민하는 네덜란드 디자이너 6명, 공예가 1명을 소개했다. 모두 재료와 소재를 탐구하고, 그 과정이 어떻게 실제 환경과 사회에 영향을 미치는지 고민하는 작가들로 현재 네덜란드 디자인이 가진 독창성과 영민함을 엿볼 수 있었다. 특히 에인트호벤 아카데미를 졸업하고 네덜란드에서 활동하는 윤석현 디자이너가 포함된 것은 우리에게 반가운 소식이 아닐 수 없다. 전통적으로 사용되어온 유약 때문에 도자기가 재활용될 수 없다는 사실을 깨달은 그는 유약을 대신할 수 있는 자연 재료를 찾던 중 전통 옻칠을 발견 했으며, 옷을 사용해 도자기에 색을 입히는 작업을 시작했다. 이러한 시도를 통해 자연의 재료인 흙을 사용한 세라믹 제품을 폐기할 때 매립하지 않고 다시 자연으로 돌아갈 수 있는 기회를 제공한다. 윤석현 디자이너를 선정한 심사의원 위키 소머스 Wieki Somers는 그의 작업에 대해 개념적이면서 미학적인 부분이 네덜란드 디자인 전통에 잘 부합한다고 평가했다. WEB www.maison-objet.com    

파리디자인위크2022 하이라이트

컬렉티브 전시의 붐이 일다     지금까지 디자이너가 단독으로 작품을 발표하는 쇼룸 위주의 전시가 많았다면, 올해는 넓은 공간을 빌려 함께 전시를 하는 컬렉티브 전시가 유독 눈에 띄었다. 각자의 개성과 큐레이션으로 첫 번째 에디션을 선보인 이래, 세 곳의 전시로 인해 파리디자인위크가 새롭게 변모했다고 해도 과언이 아니다.  

비앙브뉴 디자인 Bienvenue Design

    전설의 호텔 라 루이지안느 La Louisiane에서 열리는 디자인 전시라니! 1930년대 시작돼 4대에 거쳐 운영되고 있는 이 호텔은 장-폴 사르트르와 시몬느 드 보부아르가 생활했고 달리, 허밍웨이, 백남준 등 수많은 예술가와 문인이 거쳐간 역사적인 장소다. 2차 세계대전을 비롯해 한 세기의 역사와 스캔들이 담겨 있는 특별한 장소이다보니, 이곳에서의 전시는 파리 사람들한테 무척이나 놀랍고 반가운 소식이었다. 호텔 건물의 한쪽에 있는 18개의 방이 18명의 디자이너, 갤러리, 브랜드에 헌사되었고, 각자의 개성에 맞게 객실이 전시장으로 탈바꿈했다.    

아티스트 리아 로샤 Lia Rochas는 자신의 몇몇 콜라주 작품을 벽에 걸고 침실을 그대로 옮겨온 듯 꾸몄으며, 디자인 스튜디오 AAMA Design은 벽지 브랜드 메종 마틴 모렐과 협업해 벽지가 천장에서부터 흐르는 드라마틱한 장면을 연출했다. 객실마다 독특하게 꾸민 각기 다른 컨셉트의 실내 디자인과 소품을 구경하는 재미가 쏠쏠했다. 특히 1789년에 시작해 230년의 역사를 자랑하는 자기 브랜드 매뉴팩처 드 쿨뢰브르 Manufacture de Couleuvre가 제법 큰 객실에서 새로운 컬렉션을 선보이기도 했다. 루이 15세, 16세, 아르누보, 아르데코를 거친 귀중한 아카이브를 파리로 옮겨와 전시 소품으로 사용한 점이 눈길을 끌었다. 현대적인 새로운 디자인과 과거의 역사를 함께 볼 수 있는 멋진 장면이었다. 비앙브뉴 디자인은 올해를 시작으로 매년 파리디자인위크에 맞춰 컬렉티브 전시를 진행할 예정이다. 오는 10월 파리 아트바젤 파리+ 기간에는 ‘비앙브뉴 아트’라는 이름으로 객실마다 현대미술 갤러리를 초청하는 전시가 같은 컨셉트로 열릴 예정이다.
WEB bienvenue.art

다니엘 뷔렌은 예술을 대하는 태도에 대해 이야기한다. 그건 작가와 감상자 모두에게 적용되는 행동이다. 자유롭게 생각하고, 내 마음대로 해석하고, 마음껏 즐기라는 말이다.     2019년 광화문에 있는 동아미디어센터가 형형색색으로 물들었다. 당시 세종대로 사거리 앞 청계광장을 지나쳤다면 외벽 전체가 다채로운 빛을 내던 건물을 기억할 것이다. 21층 건물, 979개 창문에 8가지 원색 필름을 부착했다. 한글 자음 순서대로 노랑, 보라, 오렌지, 진빨강, 초록, 터키블루, 파랑, 핑크를 각 층에 반복해서 설치했다. 바로 ‘한국의 색, 인 시튀 작업’이라는 세계적인 조형예술가 다니엘 뷔렌 Daniel Buren의 작품이다. 그는 화이트 큐브에 전시된 예술 작품의 정형에서 벗어나려는 시도를 해온 작가로 유명하다. 뷔렌은 미술관이나 갤러리가 규정한 획일화된 공간, 즉 전체 바닥과 벽, 천장이 새하얀 사각형 공간에서는 작가뿐만 아니라 감상자도 사고와 상상이 갇힌다고 생각했다. 작가는 이에 반해 특정한 장소에 작품을 설치하여 그 공간까지도 작품으로 흡수하는 ‘인-시튀 In-situ’ 작업을 선보이고 있다. 미술관을 일상의 영역으로 확장시켜 작품과 장소의 경계를 합일시키고 예술을 삶의 일부분으로 바라본 것이다. 이러한 뷔렌의 예술 철학은 1986년 파리 팔레-루아얄 궁전 안뜰에 설치한 작품 ‘두 개의 고원’에서 잘 드러난다. 프랑스 국민에게 역사적으로 의미가 각별한 이 장소에 뷔렌은 높이가 다양한 260개 검은색 줄무늬 기둥을 세웠다. 역사와 전통의 상징에 스프라이트 패턴이라니. 당시로선 이해할 수 없는 기행이자 파격적인 작품으로 여겨졌을 터이다. 작품을 발표할 당시 수개월간 프랑스 전역은 뜨거운 논쟁으로 들끓었다.  

  그러나 지금은 많은 사람이 즐겨 찾는 관광 명소가 되었다. 아이들은 낮은 기둥 위를 폴짝폴짝 뛰어다니고, 어른들은 기둥에 앉아 수다를 떨거나 샌드위치를 먹는다. 관광객은 기둥 사이를 자유로이 오가고 기둥에 서서 만세를 외치며 사진을 찍는다. 이렇듯 많은 사람이 작품을 마음껏 활용하며 각자의 방식으로 예술과 소통한다. 작품을 갤러리 밖으로 꺼낸 결과다. 다니엘 뷔렌은 미술관의 권위에 대항한다. 이는 불과 200m 떨어진 루브르 박물관에 갇힌 수많은 명작과 그의 줄무늬 기둥 작품을 비교해보면 알 수 있다. 미술관을 벗어난 작품에서 권위는 사라졌고 소통과 공감만 남았다. 마르셀 뒤샹이 소변기를 미술관에 전시하면서 현대미술의 막을 열었다면, 다니엘 뷔렌은 줄무늬로 개념미술의 영역을 확장해 나갔다. 작가는 줄무늬를 ‘시각적 도구 Outil Visuel’라 명명하여 하나의 기호로 사용해왔다. 어떠한 사물을 만들지 않고도 줄무늬라는 시각적 효과를 수단으로 예술을 창조할 수 있음을 증명한 것이다. 이후 폭 8.7cm, 신용카드 너비의 세로 줄무늬는 그의 아이콘이 되었다. 작가는 또한 1990년대부터 작품에 거울을 사용하기 시작했는데, 거울 역시 뷔렌에게는 하나의 시각적 도구로 작품을 수용하는 공간을 확대하거나 파편화 혹은 왜곡시키며 그 장소를 변모시키는 역할을 한다.       현재 대구미술관에서 진행 중인 다니엘 뷔렌 개인전에서는 그의 상징과도 같은 줄무늬 설치작품을 만나볼 수 있다. 2014년 발표한 작품 ‘어린아이의 놀이처럼’은 아시아권 최초로 대구에서 전시된다. 최근 인-시튀 작업 중 대표작인 이 작품은 아이들이 좋아하는 블록 쌓기 놀이에서 감을 받았다. 다양한 도형 104점이 최대 6m 높이까지 쌓아올려 있다. 무려 40m 길이의 대규모 설치작품이다. 사람들은 이 거대한 블록 사이를 자유롭게 오가며 작품을 감상할 수 있다. 뷔렌은 이 작품을 통해 어른이 되면 잃어버리는 동심, 어떠한 계산도 설계도 느껴지지 않는 ‘형’과 ‘색’에 대한 순수한 감각을 느껴보길 바란다고 말한다. 자신의 혼을 담아 설치한 예술 작품이지만 수고로움이 느껴지지 않고 그저 천진난만해 보이길 원하는 것이다. 예술은 쉽고 단순하며 즐거운 행위란 메시지를 담고 있다. 마치 ‘어린아이의 놀이처럼’. 전시는 2023년 1월 29일까지.          

  조명 브랜드 산타&콜에서 신제품 조명을 선보였다.  

 

  기존에 출시했던 산타&콜의 베스트셀러인 세스타 조명을 아웃도어 버전으로 선보였는데, 외부 자극에 견딜 수 있는 검은색이나 올리브색 알루미늄 구조로 이뤄져 있어 바닥이나 야외용 테이블 위에 올려둘 수 있는 ‘세스타 익스테리어’와 벽 조명 버전인 ‘세스타 월리’다. 정원이나 마당의 벽에 설치하기 좋은 세스타 월리는 밤에도 한층 분위기 있는 정원을 만들어줄 것이다.

WEB www.santacole.com