극한으로 치닫는 전 세계의 이상기후는 더 이상 상상 속 이야기가 아니다. 세계기상기구(WMO)가 향후 5년 안에 지구 기온이 산업화 이전보다 1.5℃ 이상 상승할 가능성이 무려 66%에 달한다고 발표한 것. 새로운 것을 만들어내는 디자인 업계는 그 어느 때보다 지속가능성에 대한 논의가 활발하다. 버려진 소재를 재활용해 새로운 생명을 부여하고, 환경오염을 최소화하는 생분해 소재를 개발하는 데 투자를 아끼지 않는다. 기업의 생태계에도 변화의 물결을 불러일으킨 지속가능성 이슈는 앞으로 다가올 미래 세대를 위해서도 꼭 필요한 담론이다.

의자가 된 어망

오렌지 껍질로 만든 파티션 주고소와 버섯 균사체로 만든 베그로. © MARCUS FRENDBERG

오렌지 껍질로 만든 파티션 주고소와 버섯 균사체로 만든 베그로. © MARCUS FRENDBERG

스톡홀름에 기반을 둔 디자인 스튜디오 인터레스팅 타임스 갱 Interesting Times Gang(ITG)은 생체 재료와 순환성, 신흥 기술을 통한 미래 디자인의 가능성을 탐구한다. 이들의 대표적인 프로젝트 중 하나는 재활용 어망을 활용한 켈프 Kelp 컬렉션이다. 이는 지속 불가능한 어업 관행과 해수 온도 상승으로 인해 파괴되고 있는 바다 숲인 켈프에서 아이디어를 얻어 시작되었다. 버려진 어망과 목재 섬유를 조합해 3D 프린팅을 했고 계속해서 재사용할 수 있는 초록빛 의자를 만들었다.

디자인 스튜디오 인터레스팅 타임스 갱을 이끌고 있는 팀원들.

이외에도 식자재로 활용한 작업도 흥미롭다. 주택 건설업체인 오보스 OBOS와 협업해 균사체와 오렌지 껍질로 만든 두 가지 파티션 베그로 Veggro 시리즈를 공개한 것. 균사체로 만들어진 룸 Loom은 버섯에서 영감을 얻어 패턴을 만들었으며 오렌지 껍질로 만든 주고소 Jugoso는 과일의 소포를 기반으로 기하학적 패턴을 제작했다. 그 결과 인테리어의 장식으로 활용해도 손색없는 감각적인 디자인을 입은 패널이 탄생했다.

버려진 어망으로 만든 켈프 의자.

WEB www.itg.studio

목욕 스펀지의 재발견

루파 섬유에 컬러를 입혀 제작한 리프 스크린. 벽면에 드리운 그림자가 멋스럽다.

루파 Luffa 프로젝트는 아랍 문화권에서 수세기 동안 목욕 스펀지로 사용되고 있는 식물의 한 종류인 루파에서 출발했다. 팔레스타인 출신의 디자이너 새머 셀박 Samer Selbak은 루파를 활용한 조명 셰이퍼 Saffeer와 스크린의 역할을 하는 리프 Reef를 제작했다. 대각선으로 매달린 셰이퍼 펜던트 조명은 염색한 루파 섬유를 평평하게 펴낸 후 사다리꼴 모양으로 바느질해 형태를 만들었다. 또 강철로 내부를 단단히 고정해 지속가능성이라는 의미와 조명으로써의 내구성을 동시에 만족시켰다.

디자인과 기능, 지속가능성을 두루 갖춘 셰이퍼 조명.

디자인과 기능, 지속가능성을 두루 갖춘 셰이퍼 조명.

리프 스크린 역시 염색한 루파 섬유를 바느질해 디자인했으며 부분적으로 입체감을 줘 신비로움을 더했다. 뛰어난 내구성과 생분해 가능한 루파는 다가오는 미래에 꼭 필요한 재료임이 틀림없다.

WEB samerselbak.com

새 생명을 얻은 폐마스크와 폐비닐

현대백화점 면세점에서 진행되고 있는 김하늘 작가의 전시.

현대백화점 면세점에서 진행되고 있는 김하늘 작가의 전시.

업사이클 소재를 활용해 가구와 오브제를 만드는 김하늘 디자이너는 폐소재의 숨은 가능성을 탐구하며 지속가능한 디자인이 세상에 미치는 영향력에 초점을 두고 활동한다. 그의 이름을 세상에 알리게 된 계기는 ‘스택 앤 스택’ 작품을 통해서다. ‘쌓이고 쌓인다’를 의미하는 이 작품은 하염없이 쌓여가는 폐마스크를 쌓아 녹이고 굳혀 만들었다. 이 과정을 수십 번 반복했고 이내 단단한 스툴이 완성되었다. 그저 얇은 천이었던 마스크는 마침내 단단하고 질긴 플라스틱의 내구성을 갖게 되었다.

폐마스크를 활용해 만든 스택 앤 스택 시리즈.

폐마스크를 활용해 만든 스택 앤 스택 시리즈.

폐마스크를 활용해 만든 스택 앤 스택 시리즈.

최근 그가 일회용 비닐 쇼핑백을 활용해 선보인 현대백화점 면세점과의 협업 전시도 눈여겨봐야 한다. 막대한 양의 백화점 쇼핑백을 해체하고 재조립해 마치 체크무늬 패턴의 섬유처럼 만들었고, 이를 가구와 오브제 등으로 변환해 전시장을 채웠다. 전시는 10월까지 현대백화점 면세점에서 진행된다.

INSTAGRAM @neulkeem

페트병으로 만든 패브릭

네덜란드에서 페트병으로 재활용 폴리에스테르 원사를 만드는 베스콤. © Vescom

벽지와 패브릭, 퍼니처 커버링 등을 생산하는 네덜란드 텍스타일 브랜드 베스콤 Vescom은 소재부터 생산 공정까지 리사이클링에 진심인 회사다. 현지에서 수거한 페트병을 플레이크로 잘게 부순 뒤 100% 재활용 폴리에스테르 원사로 압출하고 염색한 뒤 직조하는 것. 세련된 150가지 패턴, 2,000여 가지가 넘는 컬러의 패브릭을 생산하는데, 실용성에 있어서도 일반 패브릭에 비해 뒤떨어지지 않는 내구성과 불이 잘 붙지 않는 난연성을 지녔다.

2,000여 가지가 넘는 다양한 컬러의 패브릭을 선보인다. © Vescom

불이 잘 붙지 않는 난연성을 지녀 가구나 벽의 커버링을 하기에도 제격. © Vescom

오코텍스 인증을 받아 안전성까지 뛰어나다. © Vescom

특히 부클레 업홀스터리 직물은 플라스틱에서 뽑은 소재라 하기에 믿기지 않을 만큼 부드러운 촉감을 지닌 것이 특징. 모든 제품은 국제 섬유 안전 인증인 오코텍스까지 받았다. 이뿐 아니라 제조 공장에서도 친환경 방식으로 생산한 전기와 가스만을 사용한다고 하니 더 이상 바랄 것이 없다.

부드러운 촉감이 특징인 부클레 원단. © Vescom

WEB vescom.com

나무 부산물이 지닌 가치

버려지는 나무 부산물을 굳혀 새로운 인테리어 소재를 만든 유마 카노. © Yuma Kano

일본 디자인 스튜디오 유마 카노 Yuma Kano가 만든 포레스트뱅크 ForestBank는 버려진 나뭇조각과 가지, 껍질, 잎, 솔방울 등 더 이상 쓸모가 없어진 나무 부산물에 수성 아크릴 레진을 섞은 뒤 굳혀 만든 소재다. 어떤 숲에서 어떤 계절에 수거한 부산물이냐에 따라 전혀 다른 분위기의 패턴을 만들어내는 것이 특징.

올해 밀라노 알코바에서 선보인 터치 우드의 작품. © Yuma Kano

목공 공법으로 성형이 가능할 뿐 아니라 단단한 내구성으로 인해 가구를 만들 때 사용하기 좋은 재료로 주목받고 있다. 특히 나무의 부산물을 소각할 때 나오는 온실가스를 줄일 수 있어 지속가능성에도 일조한다. 올해 밀라노 알코바 Alcova에서 네덜란드 에인트호벤에서 활동하는 쇼 오타 Sho Ota와 함께 선보인 터치 우드 Touch Wood 전시 또한 이 소재의 연장선. 나무 소재가 지닌 가능성에 대해 다시금 생각하게 하는 시간이었다.

유마 카노와 쇼 오타. © Yuma Kano

목재 가공 방식으로 성형이 가능하다는 장점까지 지녔다. © Yuma Kano

WEB yumakano.com

순환하는 디자인

여섯 가지의 아름다운 컬러를 입은 조립식 오투 체어.

밀라노 기반의 산업디자인 스튜디오를 이끌고 있는 알레산드로 스타빌레 Alessandro Stabile가 순환 경제와 지속가능한 공급망을 도입한 의자 시리즈 오투 OTO(One to One)를 선보였다.

하나의 패브릭으로 좌석, 등받이, 양쪽 팔걸이를 감싸는 형태의 브레차 암체어.

여섯 가지의 아름다운 컬러를 입은 조립식 오투 체어.

오투 체어는 재료의 선택뿐만 아니라 완전한 지속가능성을 달성하기 위해 물류부터 운송까지 모든 생산 단계를 새롭게 구축했다. 해양에서 수거한 버려진 플라스틱으로 조립식 의자를 만들었으며, 생분해 가능한 친환경 패키지에 포장되어 하루 안에 구매자의 주소지로 직배송된다. 모든 중간 단계를 건너뛰고 운송과 배출을 절약할 수 있도록 시스템을 고안한 것. 이외에도 재활용 원사로 만든 암체어 브레차 Brezza, 모든 재료를 경량화해 에너지 사용률을 줄인 타코 Taco 암체어 등이 있다.

콤팩트한 사이즈와 초경량을 자랑하는 타코 체어.

WEB www.alessandrostabile.com

생분해되는 건축자재

자연적인 색감으로 물든 도나 레스토랑.

바 공간에는 버섯 균사체로 만든 조명을 달았다.

도나 레스토랑은 자연적이고 생분해되는 물질을 인테리어 자재로 적극 활용해 친환경 건축의 가능성을 보여준다. 뉴욕 디자이너 마이클 그로스 Michael Groth는 모로코 장인협동조합과 협업해 뉴욕의 웨스트 빌리지에 위치한 도나 레스토랑의 인테리어를 총괄했다. 그는 20세기 라틴아메리카의 구성주의 운동과 예술가 산두 다리 Sandu Darie, 리지아 클라크 Lygia Clark 등의 작품에서 영감을 받아 이 레스토랑을 디자인했다. 흰색의 노출된 벽돌 벽면에 습도 조절을 돕는 울 소재의 원형 벽걸이를 달았고, 소나무로 만든 바닥재를 재활용해 테이블을 만들었다. 또 얼룩진 합판은 좌석을 감싸는 벤치로 새롭게 태어났으며 버섯 균사체로 만든 조명을 달아 바 공간을 환하게 밝혔다.

자연적인 색감으로 물든 도나 레스토랑.

WEB donnanyc.com

가구로 재탄생한 바비의 집

2023 밀란디자인위크 동안 로사나 오를란디에서 전시한 노용원 작가의 작품. 한국인으로는 유일하게 로 플라스틱 프라이즈의 파이널리스트로 선정됐다. © YongwoNoh

올해 밀란디자인위크 동안 로사나 오를란디에서 지속가능성을 주제로 열리는 로 플라스틱 프라이즈 전시가 4회를 맞이했다. 버려지고 쓸모가 없어진 플라스틱을 재활용하고 업사이클링해 새로운 디자인과 가능성을 시험하는 작가들의 작품이 한곳에 모였다. 그중 유일하게 파이널리스트로 선정된 노용원 작가는 네덜란드 에인트호벤을 기반으로 활동하는 한국 디자이너.

버려진 바비 인형집을 해체하고 재해석해 가구로 만들었다. © YongwoNoh

그는 쓸만하지만 버려진 물건을 수집하는 행위를 채굴에 비유하며, 쓰레기 수거장에서 찾은 바비 인형집을 해체해 가구로 재해석한 ‘바비 더 뉴 클래식’ 작업을 선보였다. 플라스틱 장난감의 물성으로 인한 양각 패턴을 그대로 사용함으로써 한국의 나전칠기, 전통의 부조 기법이 자아내는 장식적인 효과를 불러일으켰다.

WEB www.studioyongwon.com

식물성 기름으로 만든 조명

리치노 시리즈의 연구 과정.

조명 시리즈 리치노 Rícino는 제품 디자이너 마리아나 라모스 Mariana Ramos와 건축가 히카르도 이네코 Ricardo Innecco에 의해 설립된 디자인 스튜디오 에스튜디오 레인 Estudio Rain이 개발한 천연 조명이다. 2018년 시작된 이 프로젝트는 천연수지에 대한 두 디자이너의 궁금증에서 비롯되어 오랜 연구 과정 끝에 세상의 빛을 볼 수 있었다.

플로어, 벽걸이, 테이블 등 다양한 형태로 제작된 리치노 조명.

온도 변화에 잘 견디며 자유롭게 성형 가능한 재료인 식물성 피마자 기름이 이 조명의 주원료. 빛에 대항하여 놓였을 때 호박색을 띠는 따스한 빛을 생성해 공간에 은은한 분위기를 선사한다. 여기에 알루미늄 소재의 지지대를 달아 테이블, 벽, 바닥 등 다양한 공간에서 활용할 수 있도록 고안했다.

자연적으로 발생하는 기포와 은은하게 퍼지는 황금빛 색상이 멋스럽다.

자연적으로 발생하는 기포와 은은하게 퍼지는 황금빛 색상이 멋스럽다.

WEB estudiorain.com

작년 가을, 미술계를 뜨겁게 달궜던 프리즈 서울이 돌아왔다.
전시장을 넘어 문화 예술의 장이 펼쳐질 9월의 서울이 기대되는 이유다.

윤형근 작가의 ‘Umber blue(1975)’.

제2회 프리즈 서울이 9월 6일부터 9일까지 서울 강남 코엑스에서 열린다. 전 세계 120여 개의 주요 갤러리가 한자리에 모이는 이번 페어는 특히 아시아와 한국에 기반을 둔 갤러리가 대거 참여한다. 갤러리 바톤, 하우저&워스, 리만 머핀, 국제갤러리, 페이스 갤러리, PKM, 티나 킴 갤러리, 가고시안 갤러리 등을 한자리에서 만나볼 수 있을 예정.

짐 다인 Jim Dine의 ‘A Universal Color Chart(1961)’. © Jim Dine © Gray

올해 프리즈 서울은 지난해와 같이 두 가지의 특별 섹션으로 나뉜다. 아시아 기반의 젊은 갤러리 솔로 부스를 선보이는 ‘포커스 아시아’와 고대부터 20세기까지의 예술 작품을 아우르는 ‘프리즈 마스터스’다. 아시아 지역에 2011년 이후 설립된 갤러리의 작가 10명의 솔로 부스로 구성된 포커스 아시아에서는 특히 한국 작가인 우한나의 패브릭 설치작품을 주목해야 한다. 우한나 작가는 올해 불가리가 후원하는 제1회 프리즈 아티스트 어워드 서울을 수상한 주인공이기 때문. 이외에도 유신애, 유코모리, 프래 푸피티야스타폰 등이 올해의 하이라이트로 꼽혔다. 지난해 큰 화제를 모은 프리즈 마스터스는 희귀한 고대 유물과 20세기 걸작에 이르기까지 수천 년의 예술을 한자리에 모아 소개할 예정으로 다시 한번 기대를 모은다.

통의동 보안여관에서 펼쳐지는 설치 전시. © Boan 1942

김환기의 ‘Where, in What Form, Shall We Meet Again Series(1971)’. © Whanki Foundation -Whanki Museum

올해 프리즈 서울은 코엑스에서 진행되는 아트페어를 중심으로 서울 전역의 예술 공간에서 다양한 문화 행사 프로그램을 펼칠 예정이다. 프로젝트 중 하나인 프리즈 필름은 김성우, 추성아가 큐레이팅한 14명의 한국 예술가의 작품으로 구성되며, 서울 시내 비영리 독립 공간과 프리즈 공식 홈페이지에서 상영될 예정이다. 이외에도 뮤지션 콜드의 공연과 함께하는 프리즈 뮤직과 오늘날 국제 예술계에서 가장 주목할 만한 이슈를 짚어보는 토크 프로그램이 기다리고 있다. 또 주요 갤러리가 밀집되어 있는 한남, 청담, 삼청에서 늦은 시간까지 전시를 관람하고 보다 다채로운 문화 예술을 경험할 수 있는 프리즈 위크 프로그램도 눈여겨봐야 한다.

조지 콘도 Geroge Condo의 ‘Internal Combustion(2023)’. © Hauser&Wirth © Thomas Barratt

우디 드 오텔로 Woody De Othello의 ‘Ibeji(2022)’.

프리즈 서울은 국제적인 기업과 파트너십을 맺고 특별한 프로젝트도 선보인다. 그중 LG 올레드는 한국 추상 미술의 선구자인 김환기의 원작 5점을 디지털 캔버스로 옮긴 특별한 결과물을 LG 올레드 라운지에서 공개한다. 그가 그려낸 서정적인 점, 선, 면을 통해 예술적 기교와 한국 미학의 진수를 발견해보길 바란다.

우한나 작가의 ‘Milk and Honey 5(2023)’. © Lee Seungheon

프리즈 마스터스 섹션의 출품작 ‘Hours of Guillaume II Mol� (Use of Troyes)’.

프리즈 서울의 디렉터 패트릭 리는 “보다 확장된 프로그램을 제공함으로써 세계 각지의 예술가, 수집가, 큐레이터, 예술 애호가들 간의 문화 교류의 순간을 조성하고자 했다”며 페어를 넘어 창의성이 이어지는 한 주가 될 것이라는 큰 기대감을 내비쳤다. 최고의 예술 작품과 함께하는 서울의 한 주가 무척이나 기다려진다.

이준아 작가의 개인전 <나는 어두운 숲속을 걷고 있지만 별들은 흔들리지 않지>. © d/p

비닐에 천착하는 디자이너 김지선은 소재가 지닌 한계를 넘어 새로운 시각과 가능성을 전달한다.

브랜드 이솝과 함께 선보였던 키클로스 캠페인. 삼청점에서 수거한 폐비닐을 이용해 베이스를 제작했다.

지속가능성에 대해 관심을 갖게 된 계기가 무엇인가?

영국 런던 킹스턴 대학에서 프로덕트&퍼니처 디자인을 공부했다. 당시 자연 소재를 이용해 바이오플라스틱을 만드는 과정을 배워보거나, 우유 찌꺼기를 고체화시켜 작품을 만드는 워크숍 환경과 관련된 다양한 수업을 들을 수 있었다. 지속가능한 소재가 너무나 익숙한 유럽의 디자인 환경이 당시 우리와 많이 달라서 생경하게 다가왔다.

특히 비닐 소재로 작업을 많이 하는데, 작업의 시초가 무엇이었나?

한국으로 돌아온 뒤, 처음에는 페트병을 소재로 다양한 실험을 했다. 당시 많은 작가가 페트병을 녹여 치약을 짜내듯 압출기로 성형해 재가공하는 방식을 사용하고 있었다. 다른 방식을 고민하던 중 페트병과 같은 폴리에틸렌 비닐 소재가 눈에 들어왔다. 주위를 돌아보니 버려지는 비닐이 너무 많았다.

조명을 넣어 소재의 아름다움이 돋보이는 블루밍 시리즈.

소재를 만드는 과정에 대해 설명해줄 수 있나?

옷을 만드는 과정과 흡사하다. 비닐을 겹친 뒤 열로 압착해 특수한 패브릭을 만든다. 그 후 1대1 종이 패턴을 패브릭 위에 붙이고 따라 잘라준다. 작업에 따라 두께나 색상은 다르다. 평면의 조각들이 나오면 열을 이용해 서로 이어 3D 입체화하는 과정을 거친다. 이 소재는 원하는 것을 다양하게 표현할 수 있어서 참 매력적이다. 조명을 넣어 빛을 아름답게 보이게 할 수도 있고 천장이나 벽을 위한 설치물이 될 수도 있다.

사용하는 비닐은 어디에서 오는 것들인가?

주로 모아놓은 것을 사용하는 편이고, 기업에서 기증 받아 사용하기도 한다. 삼성, 이솝, 무신사 등 지속가능성에 대해 이야기하고자 하는 기업과 협업을 진행해왔다.

김지선 작가.

비닐에 열을 가하고 모양을 다듬어 소재를 만드는 과정.

사진 제공: 김지선

8월 6일까지 한지문화산업센터에서 열린 <울림과 재생 Resonance of Renewal>전에서 한지와 비닐이라는 이질적인 소재가 잘 어울리는 모습을 보았다.

이전부터 닥종이의 결 같은 무늬 때문에 폴리비닐 소재를 보고 한지냐고 물으시는 분이 많았다. 이 두 가지 소재를 잘 어우러지게 표현하고 싶어 하나하나 이어 붙이고 접어 나가는 주름 기법을 적용했다. 과거와 현재, 개인과 문화 사이, 간과되고 버려진 것 안에 내재된 아름다움을 보여주고 싶었다.

삼성과 함께 선보였던 ‘더 웨이브’. 그는 인공적인 소재에 온기와 미학을 담아 새로운 가치를 만들어낸다. © 피스피스

지금까지 선보인 작품 중 가장 애정하는 작품을 하나만 꼽는다면?

조명을 넣었던 블루밍 시리즈다. 폴리 소재가 빛을 만나면 더욱 감성적이고 살아 있는 듯한 생동감이 느껴진다. 빛의 투과가 자연스럽게 보이기 위해서는 굉장히 섬세하고 까다로운 작업 과정이 요구된다.

최근 한지문화산업센터에서 열린 <울림과 재생> 전시 모습. © 피스피스

지속가능한 소재의 가장 큰 매력은 무엇이라고 생각하나?

일반적으로 소재에 대한 고정관념이 있는데, 그 한계를 넘어 새로운 가능성과 시각을 전달할 수 있는 점이라고 생각한다. 우리 주변에 흔히 널려 있는 이런 것들도 작품이 될 수 있다는 생각의 출발점이 다양해진달까. 또한 생명이 끝났다고 생각했던 것들이 새로운 생명력을 얻게 되는 영원성 또한 큰 매력인 것 같다.

지속가능한 디자인이란?

재생 소재를 사용하는 것을 넘어 다음 세대까지 지속될 수 있는 구조와 환경, 시스템을 만드는 것. 예를 들면 미래를 위해 재생 소재에 대해 천착하는 국제 단체 매테리움(materiom.org)이 그렇다. 과학자와 엔지니어, 건축가, 디자이너 등을 위해 바이오 기반의 새로운 자재의 구성 요소와 제조 방법을 공유하는 오픈 소스 플랫폼으로, 옥스퍼드나 MIT 같은 대학과도 협업한다.

재생 비닐에 주름의 형태가 더해져 리듬감을 만들어내는 모빌. © 피스피스

요즘 가장 주의 깊게 보는 관심사는 무엇인가?

디자인과 작품 사이의 경계를 모호하게 만드는 일이다. 활동하면서 느끼는 것이지만 공예 쪽으로 전시를 몇 번 하다 보니 나도 모르는 새 공예 작가라는 타이틀이 붙여졌다. 그런 틀에 갇히기보다 디자이너나 아티스트로 각인되고 싶다. 그 연장선에서 포르마판타스마 Formafantasma의 작업을 좋아한다. 작품 안에 사람과 소재, 디자인, 공예, 메시지가 한데 잘 버무려져 있다.

마치 한지 같은 인상을 주지만 재생 비닐로 만든 소재다. © 피스피스

작업 중인 작품 이야기를 해준다면?

다가올 프리즈 기간에 금호 알베르에서 공개될 작품인데, 글로벌 스포츠 브랜드의 지속가능성 라인과 협업해 제작한 아트 피스다. 본드를 사용하지 않고 친환경적인 방식으로 재활용한 소재를 이용한다.