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프리다 칼로의 삶이 투영된 패션 전시

내년 5월까지 파리 팔레 갈리에라에서 진행되는 프리다 칼로의 개인전은 옷으로 자신을 표현했던 프리다 칼로의 삶과 정체성을 엿볼 수 있는 기회다.

패션위크로 뜨거웠던 파리의 가을, 패션과 어울리는 전시까지 다양하게 열려 분위기를 돋우었는데 그중 가장 화제를 모은 건 파리 패션박물관인 팔레 갈리에라 Palais Galliera에서 개최된 프리다 칼로 개인전이다. 이 전시가 미술관이 아닌 패션박물관에서 개최된 이유는 패션을 통해 그녀의 삶과 작품을 조명하는 기획이기 때문이다. 프리다 칼로에게 패션은 작가로서, 여성으로서, 멕시코인으로서의 아이덴티티를 표현하기 위한 중요한 매체였다.

이는 그녀의 어린 시절부터 드러난다. 그녀의 아버지는 멕시코로 이민 온 독일인으로 정부의 사진작가로 일하며 멕시코의 전통 건축과 현대화의 과정을 기록으로 담았다. 또한 어린 딸 프리다의 면면을 자주 사진에 담았는데 덕분에 그녀는 어린 시절부터 사진을 찍을 때 어떻게 포즈를 취해야 하는지 그리고 사진을 통해 자신의 이미지를 구축하는 방법을 깨달았을 것이다. 가족사진에 유독 남성의 옷을 입고 등장했던 것이 대표적이다.

그녀에게 옷은 남들이 잘 주목하지 않았던 내면을 드러내기 위한 효과적인 방법이자, 다른 한편 너무 쉽게 남들한테 주목의 대상이 되는 신체적 불편함을 가리기 위한 방편이었다. 대표적인 것이 화려한 멕시코 전통 의상과 화려한 액세서리다. 그녀는 18세에 교통사고를 당했는데, 의료기기에 가까운 거대한 코르셋을 평생 착용해야 했던 현실을 가리기 위한 방편으로 20세부터 1954년 47세로 짧은 생을 마감할 때까지 테후아나 드레스만을 입었다. 이는 또한 그녀가 멕시코에서 온 화가임을, 개성이 강한 여성임을 그리고 당대 그녀보다 유명했던 남편인 멕시코의 대표적인 벽화 작가 디에고 리베라의 세 번째 부인이고, 취미로 그림을 그리는 여자가 아니라 상상과 즐거움, 아름다움을 추구하는 여성 화가임을 표현할 수 있는 방편이었다. ‘폭탄에 두른 리본’이라고 말한 당대 미술평론가 앙드레 브르통의 표현처럼, 화려한 패션은 상처받은 심신의 고통을 포장하는 변장이자 내면의 열정을 전달하는 중요한 매체였던 셈이다.

전시에는 200여 벌과 다양한 액세서리, 코르셋과 의료품, 보조 기구 등 다양한 오브제가 전시되어 아름답고 화려했던 그녀의 삶 너머의 또 다른 인생을 짐작하게 한다. 전시의 하이라이트는 대미를 장식한 현대 패션 디자이너의 의상이다. 프리다 칼로의 삶과 예술로부터 영감을 받아 직접 의상에 적용하거나, 멕시코 전통 의상과 같은 에스닉한 주제나 제작 기법 혹은 코르셋과 같은 전통적인 패션 아이템 등을 적용해 칼로의 패션과 공통점을 보여준다. 장 폴 고티에, 요지 야마모토, 마리아 그라치아 치우리, 알렉산더 매퀸, 레이 카와쿠보, 리차르도 티시, 칼 라거펠트 등 이름만 들어도 화려한 패션 디자이너의 작품이다. 풍성한 내용과 작가의 유명세로 몇 주치 입장 티켓이 모두 사전에 예매될 만큼 인기리에 진행 중이며, 작가의 바이오그래피와 기록을 적은 전시 도입부는 좁은 통로 때문이기도 하겠지만 하나라도 놓치지 않으려는 지적인 관객들로 인해 앞으로 발을 내딛기도 힘들 정도다. 놓치기 아까운 본 전시는 2023년 5월까지 계속되며, 뮤제 갈레이라 앱을 다운받으면 온라인으로나마 전시의 상세 내용을 볼 수 있다.

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에디터

신진수

WRITER 김영애(롯데백화점 아트콘텐츠 상무)

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#파리 전시

#팔레 갈리에라

#패션

#패션 디자이너

미리 보는 미래 사회

1년 6개월 앞서 전망되는 Lisophe의 메가트렌드 인사이트는 일차원적인 트렌드 제시가 아닌 트렌드 발단의 배경과 사회문화 그리고 과학기술 기반의 이슈를 함께 살피는 매크로 키-다이렉션을 ‘에코-심바이오시스’로 제시한다.

1 Future Food Today: 커피 찌꺼기를 쿠키로! 2 뉴욕 테리타운 블루 힐 레스토랑은 소뼈로 만든 세라믹 식기. 3 건축가와 소재업체가 협력해 제작한 의자와 스툴. 농업 생산 폐기물을 이용한 바이오 복합 재료의 새로운 CMF. 4 ‘Willow Project’는 버드나무를 끓이고 증류하는 여러 공정을 통해 반투명한 생분해성 소재를 만들어낸다.

팬데믹이 끝나면서 본격적으로 나타나는 사회 문화 소비 트렌드인 ‘에코-심바이오시스 Eco-Symbiosys’에서는 로컬, 글로벌 모두 협력하는 미래형 지속가능 프로젝트가 본격화되면서 기존 콜라보레이션 개념에서 좀 더 나아간 상생(Mutualism)과 공생(Coexistence)을 토대로 공유경제와 디지털 전환의 융복합을 보이는 2024년 산업, 사회, 문화 전반의 이슈다.

코로나19 이후 지속가능의 도래

코로나19 이후 제품의 생산에 있어서도 상생과 공생을 고려하는데, 예를 들어 파자마와 홈웨어처럼 편안한 옷을 판매하는 브랜드는 환경과 사회 경제적 측면을 고려해 지속가능한 방식으로 모든 아이템을 개발하고, 디자인의 첫 단계에서부터 최종 제품의 수명 주기에 이르기까지 고려한다.
특히 인구통계학적으로 MZ세대와 그 뒤를 쫓는 Z 혹은 알파 Alpha 세대를 위해 바람직하지 않은 환경의 영향을 최소화하고 재활용 직물을 사용하는 등 영유아에서 성인에 이르기까지 지속가능한 제품을 추구한다. 그 밖에도 위생과 안전, 건강이 중요해지면서 성능과 기능을 확보한 고품질이 요구되지만 오히려 단순한 것에서 만족을 얻게 된다. 따라서 일상의 필수적인 것과 우리 주변에 있는 것들로부터 출발하는 생분해성 복합 소재가 산업 전반에서 주목받고 있다. 퓨처 푸드와 같이 제로-웨이스트, 생분해 포장이 급부상하면서 쇼핑백, 식기 등 모든 것이 생분해 복합 소재로 변환되고 있다. 커피 찌꺼기를 버리지 않고 커피 스낵으로 만드는 레시피와 소뼈를 갈아 세라믹으로 만든 식기까지 포장재에 대한 환경친화적 이슈가 급증한다.

사람과 환경을 위해 더 나은 리테일을 지향하는 이케아 프로젝트 ‘스페이스 10’

다양성과 포용성

2024년에는 단지 아프지 않고 건강하게 사는 라이프스타일 그 이상의 가치가 주목된다. 건강은 질병이 없는 상태만 뜻하지 않으며, 웰빙 그 자체가 삶이 된다. 사람들은 건강하지 못해서 건강을 신경 쓰는 것이 아닌 삶 자체를 건강하게 만들고자 노력하기 때문에 건강을 신경 쓴다. 사람들은 그 어느 때보다 자신의 몸과 정신건강에 많은 관심을 가지고 있으며, ‘건강’에 대한 이해가 변화되고 있는 소비사회를 의미한다. 마음챙김과 매 순간 의식적인 자각과 만족감을 선사하는 경험은 일상에 좋은 에너지와 활력을 주는 핵심 동력이며, 건강에 대한 근본적인 욕구로 해석하는 것이다. 특히 운동과 식습관의 변화와 함께 다양성과 포용성을 추구하는 과학적인 라이프스타일이 소비사회 전반에 나타나는데, 예를 들어 이케아의 스페이스 10과 같이 지구를 생각하는 얼스 라이프가 중심이 되는 일상이 중요해진다. 포괄적(Inclusive)이고 순환적(Circular)인 디지털 솔루션이 지속가능한 환경과 융합되고, 생물의 다양성을 중시하고, 청정에너지의 사용과 지속가능한 미래 요리 레시피를 주목할 것이다.

Future Food Today: A Cookbook by SPACE 10

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WRITER 이순영(Lisophe 기업미래예측 전문가, 프랑스 혁신 소재 라이브러리 materiO 서울대표)

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유쾌한 장 줄리앙 일러스트 전시

장 줄리앙에게 드로잉은 언어와 같다. 그의 언어는 국경도, 세대 간의 경계도 없이 누구와도 즐겁게 소통할 수 있다.

순수함과 어리숙함 사이의 낭창한 표정과 기행처럼 느껴지는 장난스러운 포즈, 절로 웃음이 나는 독특한 액션을 취하고 있는 캐릭터를 본 적이 있다면 맞다. 어디선가 한 번쯤 본 듯 익숙한 일러스트는 장 줄리앙 Jean Jullien의 작품이다. 강아지가 주인을 산책시키는 장면과 오랜 시간 전화하면서 태닝을 한 듯한 남자의 모습 등 자유분방하고 재치 있는 그의 그림은 쉽고 단순하며 직관적이다. 장 줄리앙의 그림은 이러한 특징으로 인해 한국의 어린아이부터 프랑스의 노부부까지 모두가 즐길 수 있다. 국경을 뛰어넘어 남녀노소 누구나 장 줄리앙의 작품을 이해하고 향유할 수 있다는 의미다. 작가는 자신의 그림이 통역이 필요 없는 일종의 언어적 역할을 하길 바란다. 친근하고 장난스러운 언어로 관객에게 다가가 일상에 즐거움을 더하고 그들을 웃음 짓게 하면서 소통하는 것이다. 음식을 앞에 두고 포크 대신 카메라를 들고 있는 일러스트나 ‘MONDAY’란 글자에 힘겹게 매달린 사람의 일러스트 등 현시대의 디지털 중독과 월요병을 상징하는 몇몇 작품에서 작가의 예술관을 확인할 수 있다.

“나는 비판적인 성격이다. 일상에서 벌어지는 일에 끊임없이 불평을 늘어놓기보다 불쾌한 것을 유쾌하게 바꿔 사람들을 웃게 하고 싶다.” 장 줄리앙은 일상의 다양한 상황을 풍자와 해학으로 그려낸다. 예리하고 날카롭게 문제를 지적하지만 그의 그림이 부담스럽지 않은 이유 역시 직관적이면서도 자유분방한 상상력이 모두의 마음을 움직이기 때문이다. 작가는 작품 활동을 시작한 동시에 세계적인 브랜드와 협업하는 등 선풍적인 인기를 끌며 지금까지도 수많은 작품을 쏟아내고 있다. 습한 날씨에 널어둔 빨래처럼 마르지 않는 작가의 영감은 어디에서 비롯되는 것일까? 장 줄리앙은 항상 스케치북을 갖고 다니며 인상적인 장면을 마주했을 때 즉흥적인 드로잉으로 순간을 기록한다. 그러한 기록은 친구, 가족, 동물, 바다 등 일상에서 비롯되며 훗날 그 기록이 모여 작품의 밑그림을 이룬다. 회화든, 영상이든, 설치물의 형식이든 미술 작품은 언어로써 작가의 메시지를 감상자에게 전달하는 매개체 역할을 한다. 그리고 대개 작가가 전달하는 의도나 메시지는 간단하지 않고 복잡하며 함축적이고 때로는 철학적이다. 어쩔 수 없이 설명이 길어질 수밖에 없다. 장 줄리앙 역시 같은 고민을 했고 이내 답을 찾았다. 세밀하게 묘사하기보다 표현하는 방식에 집중한 것이다. 그의 작품은 드로잉, 회화, 일러스트, 애니메이션, 조형 등 표현 장르도 다양하고 패션, 출판, 가구, 생활용품, 레저 등 활동 분야도 폭넓다. 장르의 경계를 넘나들며 어떠한 제약 없이 여러 분야에서 자유롭게 작품 활동을 전개하고 있다.

누누 컬렉션 제품, 쿠션 커버와 어린이용 실내 슬리퍼.

작가가 “나의 기술적 능력은 한계가 있을지 몰라도 나의 상상력에는 한계가 없다”고 말한 것처럼 지금도 새로운 시도를 통해 그만의 작품 세계를 확장해 나가고 있다. 그의 창의적인 시도는 브랜드 누누 NouNou에서 확인할 수 있다. 누누는 장 줄리앙이 대학에서 만난 절친인 허재영 크리에이티브 디렉터와 함께 론칭한 컬렉션이다. 패션에서 리빙까지 장 줄리앙의 그림을 활용한 다채로운 제품을 선보이고 있다. 우리나라 전통 탈에서 모티프를 얻은 스툴과 귀여운 표정이 그려진 와인잔, 강아지 모양의 벤치 외에도 테이블, 러그, 우산, 인형,액세서리 등 다양한 아이템이 있다. 누누란 브랜드 이름은 허재영의 딸이 장 줄리앙의 아들 이름인 루 Lou를 두고 누누라고 부른 데에서 착안했다고 한다. 이토록 막역한 두 사람의 우정은 현재 DDP뮤지엄에서 진행 중인 장 줄리앙의 첫 회고전 <그러면, 거기>까지 이어진다. 허재영 디렉터와 함께 기획한 이번 전시는 장 줄리앙이 일상을 기록한 스케치북 100권부터 드로잉, 회화, 영상, 미디어아트까지 1000여점의 작품이 전시된다. 전시장 곳곳에서 시트지처럼 감쪽같이 연출된 작가의 핸드 드로잉 작품도 찾아볼 수 있다. 그의 독창적인 영감과 따뜻한 감성으로 가득한 이번 전시에서 일상의 빛나는 순간을 만끽해보길. 전시는 2023년 1월 8일까지. 자료제공: 서울디자인재단

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어시스턴트 에디터 강성엽