어르신의 취미라 여겨지던 분재가 젊어지고 있다. 함께 호흡하고 성장하는 분재의 매력에 빠져 브랜드까지 론칭한 메산분재 차경민 디렉터와 이야기를 나눴다.

분재는 거센 비바람을 이겨낸 고목을 일상의 공간에서 즐기고자 시작되었다. 작은 화분이나 그릇에 나무와 이끼, 풀 등을 심어 수천 년의 신비로움을 압축해 담아낸다. 멋의 기준 또한 자연에서 오랜 시간 버텨온 나무의 아름다움이다. 고목의 숨결을 고스란히 간직한 듯 제각기 아름다운 수형을 뽐내곤 한다. 철사를 꼬아 가지의 방향을 잡고, 껍질을 벗겨내어 죽은 나무의 형태를 만드는 사리 과정에서 때로는 자연을 괴롭히는 것이 아니냐는 선입견이 있기도 하다. 그러나 나무가 숨쉴 수 있도록 까다로운 생태계 환경을 구현하고 충분한 영양분을 주며 정성스레 가꾸는 과정이야말로 진정한 분재의 가치다. 공간 디자인 스튜디오 스페이스차를 이끌며 메산분재의 디렉터로 활동 중인 차경민 대표는 일찍이 분재의 매력에 빠졌다. 직접 만들어가는 작은 숲을 지켜보며 함께 생동하는 기쁨에 대해 그에게 물었다.

분재에 관심을 갖게 된 계기는 무엇인가? 사실 분재는 어릴 적부터 자주 접했다. 아버지가 젊은 시절 취미로 즐겨 하시던 기억이 난다. 2021년, 분재에 대해 커리큘럼이 체계적이고 전문적인 곳에서 배우고 싶던 차에 지인에게서 ‘유수형분재학교’를 소개받았다. 유수형 교수가 진행하는 분재 학교다. 1년간 수업을 들으며 본격적으로 분재를 시작하게 되었다. 동기들은 대부분 60~70대였다.(웃음)

무엇을 배웠나? 기술과 테크닉을 배우기보다 분재에 대한 이해를 먼저 한다. 아무래도 공간 디자인을 하다 보니 연결이 많이 되었다. 밸런스를 맞추거나 미적인 수형을 찾는 것이 좀 더 수월했다. 분재도 결국 나무를 디자인하는 과정이다. 개인이 수형을 만드는 과정에서 개인의 성향이 드러난다. 흘러내리는 타입(현애형)을 선호한다면 철사걸이로 곡을 더 만들고, 안정적인 형태를 선호한다면 가장 일반적인 역삼각형의 황금비율을 찾으려 한다.

메산분재는 어떻게 시작하게 되었나? 작년 봄, 유 교수님을 만나 최근 젊은 층이 분재에 관심이 많다는 대화를 나누게 되었다. 그때부터 브랜드를 만들겠다는 구체적인 계획은 아니었으나, 분재의 저변 확대를 위해 무언가를 구상하기 시작했던 것 같다. 메산분재에서 유 교수님이 전반적인 분재 작업과 콘텐츠 기반을 채워준다면, 나는 기존에 존재하던 분재라는 개념을 어떻게 좀 더 설득력 있게 만들 것인지 고민하는 역할이다. 고루하게 느껴질 수 있는 분재로, 한 번의 전시에 그치는 것이 아닌 브랜드로서 다음 행보가 기대되게끔 만들고자 한다.

분재 작품을 선보이는 쇼룸과 클래스를 운영 중이다. 특히 분재 렌털 서비스가 흥미로웠다. 소비자들의 반응은 어떤지. 우선 고부가가치를 렌털한다는 개념 자체가 아직 낯설게 느끼지는 것 같다. 사실 일본에는 분재 리스가 많고, 익숙한 개념이다. 일정 기간(보통 2주)에 한 번 분재를 교체하거나 지속적인 관리를 제공하다 보니 가격이 저렴하지는 않다. 대형 오피스나 상업 공간, 호텔 리셉션에서 주로 찾는다. 개인 주거 공간에서도 진행했는데, 프라이빗한 공간을 매주 방문한다는 게 서로에게 부담인 것 같아 방법을 고민 중이다.

최근 챕터원 DOQ 공간에서 분재 전시 을 선보였다. 작년에는 쇼룸 오프닝 전시로 빈트 갤러리와 함께 ‘시간’이라는 키워드를 선보였다. 외부에서도 선보이고 싶던 차에 챕터원과 메산분재가 잘 어울리는 것 같아 먼저 제안을 했다. 챕터원의 새로운 공간인 DOQ 오프닝 전으로 선보이게 되었고, 감사하게도 정말 많은 분이 찾아주셨다. 전시 끝날 무렵에는 1타임당 40~50명씩, 최대 70명까지 찾아주셨다. 게다가 젊은 층이 대부분이었다.

그렇다. 최근 젊은 층의 분재에 대한 관심이 뜨겁다. 30년 전 유행이 다시 돌아오고 있다.(웃음) 어릴 적 아버지께서 한창 분재하시던 기억이 있으니 맞는 듯하다. 젊은 층에겐 생소해서 관심을 갖는 것 같다. 요즘은 깊이 있는 취미 생활이나 프로덕트에 관심도가 많아지는 추세다. 와인, 그림, 빈티지 가구 등 취미로 즐기는 카테고리가 점점 저변 확대되어 깊게 즐기는 것 같다.

분재의 가장 큰 매력은 무엇인가? 분에 담긴 상태에서 관리만 잘 된다면 영원히 살 수 있는 반려식물이다. 같이 호흡하고 성장할 수 있다는 점이 좋다. 분재 종류에 따라 즐기는 방식도 다르다. 진백류처럼 사시사철 푸른 것도 있고, 소사나무는 일 년에 한 번 낙엽을 보기 위해 키우고 관리하기도 한다. 농부의 마음이다. 아주 작은 분재에서 주먹만 한 과실이 열리기도 한다. 그리고 무엇보다 시간이 워낙 잘 간다. 특별한 생각 없이 집중할 수 있는 시간이다.

직접 만들어가는 과정이 중요한데, 보통 작업은 언제 하나? 작업은 아무래도 시간이 많이 소요되다 보니 주말에 한다. 집에도 분재가 있지만, 특별히 작업실을 마련하지 않으면 작업이 어렵다 보니 보통 관상용으로 즐기게 되는 것 같다.

가장 애정하는 것은? 여백이 많은 사어천 진백류나 소사나무를 좋아한다. 가장 애정하는 분재는 집에 있는 소사나무였는데, 반 년 전에 죽었다. 노란 잎이 그대로 마른 모습이나 수형이 지금 봐도 여전히 예뻐 가만두었다.

 

Bonsai Tools

 

자연을 형상화한 형태와 섬세한 텍스처로 금속에 생명력을 불어넣는 이형준 작가의 아틀리에. 자연의 형태를 닮은 가구는 많지만, 유연한 형태를 그려내기란 어렵다. 아트 퍼니처 작가 이형준은 영리하게 파이프 피팅 Pipe Fitting이라는 산업 부품을 활용했다. 그의 작품에는 금속인 걸 알지만 울창한 소나무 숲이 그려진다. 구불구불한 곡선미가 아름다운 작업들을 만나기 위해 서울 문래동에 자리한 그의 작업실을 찾았다. 문을 열고 들어가니 의외로 커다란 나무 조각과 판자들이 가득했다. 무대작업가와 함께 사용하고 있는 공동작업실이다. 프랑스 국립미술학교 오흘레앙 보자르 ESAD d’Orleans에서 유학한 후 한국으로 돌아온 그에게 이곳은 오히려 실험실로 제격이었다. “5년간 유학을 하고 돌아와 처음으로 찾은 곳이 이곳 문래동이었어요. 집과 가깝다는 점도 좋았지만, 무엇을 시작해야 할지 고민하던 시기에 이곳은 정말 실험실 같더라고요. 여러 장비도 사용해볼 수 있고, 흥미로운 산업 부품과 공장이 밀집되어 있는 철공 단지라 다양한 도전이 가능했어요.” 그는 프랑스에서 디자인을 전공하며 세라믹, 플라스틱, 메탈, 나무 등 다양한 소재에 대해 연구하고 배웠다. 그중에서도 그의 마음을 사로잡은 건 금속. 인공적인 소재의 차가우면서도 고급스러운 느낌에 마음이 갔다. 무엇보다 문래동 철공 단지에서 작업하며 금속 물성에 대한 관심이 더 깊게 생겼다. 주변에서 자주 접하는 산업 부품 중 파이프 피팅이라는 소재가 특히 흥미로웠다. 파이프 피팅은 배관에서 유체의 흐름을 조절하는 산업 부품이다. 방향을 바꾸는 엘보 형태나 너비가 줄어들고 넓어지며 유체의 양을 조절하는 등 다양한 형태가 있다. 작가는 인공적인 산업 부품이 가진 굴곡과 연결성에 주목했다. 그리고 이러한 연결성이 나무와 닮았다고 느꼈다. 나무가 물을 빨아들일 때의 원리나 위로 뻗어나가는 수직적인 느낌이 자연과 닮은 것 같았다. 그래서 파이프 피팅으로 나무 형태를 만들고, 그 위에 섬세하게 텍스처를 그려 넣기 시작했다. “강릉의 소나무 숲을 보며 처음 영감을 받은 것 같아요. 쭉쭉 뻗은 나무들이 수직적으로 반복되는 이미지에서 자연의 에너지가 느껴졌어요. 작품 형태는 주로 자연에서 가져와요. 나무의 곡선적인 면과 함께 껍질, 송진, 나무토막 형태 등 자연의 인상을 담으려 합니다. 나무가 상징하는 자연의 생명력을 인공적인 소재를 통해 보여주고 싶어요.” 작가의 책상 앞에는 나무껍질의 이미지가 가득 붙어 있었다. 파이프 피팅 위로 그라인더를 이용해 나이테를 반복적으로 그리는 과정은 인공물에 생명력을 불어넣는 시간이다. 가장 애정하는 작품은 역시나 그의 첫 번째 파이프 피팅 시리즈다. 실용적인 기능과 함께 처음으로 큰 규모로 작업한 작품이다. 파이프 피팅을 연결한 수직적구조들은 소나무 숲의 이미지를 상상하며 완성했다. 기둥 사이를 연결하는 선반은 스테인리스 금속을 레이저 커팅해 커다란 나무의 곡선을 표현했다. 기둥 사이를 기능적으로 연결하면서도 단절된 듯한 느낌이 좋았다. “나무 소재를 활용한 초기 작품부터 금속 가구를 제작하는 지금까지를 돌아보면 꾸준히 자연에서 얻는 소재나 패턴에 주목한 것 같아요. 주로 자연물과 인공물의 조화와 관계를 찾으려고 하는데, 제 주제를 직접적으로 보여줄 수 있는 방법을 고민 중이에요. 실제 자연물과 인공물을 연결해 반복적인 탑을 쌓아보는 거죠. 그리고 외부에서 좀 더 큰 규모의 작업을 도전해보고 싶어요. 마치 거대한 숲처럼요.”

SPECIAL GIFT
이형준 작가에게 증정한 끌레드뽀 보떼의 더 세럼은 피부 본연의 힘을 일깨워 생기 있고 매끄러운 피부를 완성시켜 준다. 또한 피부에 고르게 퍼지고 빠르게 흡수되어 24시간 보습 효과를 유지시킨 후 피부길을 열어 다음 단계 제품의 흡수를 높여준다. 50mL, 30만원

베니스에서 비엔날레 전시만 보면 후회할 것. 지금 베니스에서는 조금 과장해서 말해 천 개의 전시가 열리고 있다. 베니스 비엔날레 병행 전시와 외부 전시 중에서 꼭 봐야 할 전시들을 소개한다.  

1 리미널 Liminal

지구는 인간의 소유물일까? 영상 작품을 중심으로 한 프랑스 미술가 피에르 위그 Pierre Huygh의 전시. 그는 오랫동안 인간과 비인간 사이의 관계에 대한 의문을 제기해왔다. 그의 작품이 전시 중인 이곳은 인간과 인간이 아닌 생명체가 거주하는 일시적 상태며, 끊임없이 학습하고 변화하고 교잡하는 주체성의 형성 현장이다. 마스크를 쓴 퍼포머가 전시장을 오가며, 인간이 아닌 비인간적인 관점에서 관람객을 이방인이 되도록 초대한다. 2025년 피에르 위그의 작품을 선보일 서울 리움미술관이 협력한 전시.

장소 푼타 델라 도가나 Punta della Dogana 기간 11월 24일까지

 

2 몬테 디 피에타 Monte di Pietà

스위스 미술가 크리스토프 뷔헬 Christoph Büchel이 프라다 파운데이션을 ‘종교 전당포’로 탈바꿈시켰다. 우아한 건축물이 고물상을 연상시키는 온갖 중고품으로 가득 채워진 것을 보니 놀랍기도 하고, 이를 언제 다 치울지 걱정이 되기도 한다. 작가는 교황청 승인을 받아 고리대금이 횡행했던 전당포로 사용된 건물의 역사에서 아이디어를 얻어 현대사회의 물질만능주의를 비판하고 있다. 작가의 DNA로 만든 다이아몬드도 발견할 수 있다.

장소 폰다치오네 프라다 Fondazione Prada 기간 11월 24일까지

 

3 로버트 인디애나: 스위트 미스터리 Robert Indiana: The Sweet Mystery

베니스 비엔날레 공식 병행 전시 <로버트 인디애나: 스위트 미스터리>가 프로쿠라티 베키에에서 선보였다. 요크셔 조각 공원이 주최하고 로버트 인디애나 레거시 이니셔티브 협력, 매튜 라이언스가 기획에 참여했다. 이번 전시에서는 로버트 인디애나의 경력 전반에 걸친 작품을 한자리에서 만날 수 있어 호평 일색이다. 전시장은 산마르코 광장에 위치하며, 우리가 몰랐던 로버트 인디애나의 작품 세계를 알 수 있다.

장소 프로쿠라티에 베키에 Procuratie Vecchie 기간 11월 24일까지

 

4 앙상블 Ensemble

에디오피아 출신 미국 여성 작가 줄리 메레투 Julie Mehretu가 유럽에서 선보이는 가장 큰 규모의 개인전. 신작과 지난 25년 동안 제작한 회화와 판화 등 50여 개 작품을 모았다. 타키타 딘, 데이비드 해먼스, 로빈 코스테 루이스 등 그녀가 교류해온 미술가 동료 7명의 작품과 함께 디스플레이되어 있어 색다른 즐거움을 준다. 줄리뿐 아니라 동료들은 국경을 넘나들며 작업한다는 공통점이 있는 반면, 작품 형식은 완전히 달라 흥미롭다.

장소 팔라초 그라시 Palazzo Grassi 기간 2025년 1월 6일까지.

 

5 빌렘 드 쿠닝 이탈리아 Willem de Kooning l’italia

네덜란드 출신 미국 미술가 빌렘 드 쿠닝 Willem de Kooning이 1959년과 1969년 이탈리아에서 보낸 시간이 작업에 미친 영향을 탐구하는 첫 번째 전시회. 약 75개 작품이 모여 이탈리아에서 선보인 그의 전시회 중 가장 큰 규모다. 큐레이터 게리 가렐스 Gary Garrels와 마리오 코도냐토 Mario Codognato는 이전에 연구된 적 없는 미국에서의 그림, 드로잉, 조각에 미친 이탈리아의 영향을 확인했다. 이탈리아에서 받은 영감은 1950년대 후반부터 1980년대에 이르는 뛰어난 작품에서 발견할 수 있다.

장소 아카데미아 미술관 Gallerie Accademia 기간 2024년 9월 15일까지

 

6 야누스 Janus

<야누스>는 베르그뤼엔 아트 앤 컬처 Berggruen Arts&Culture가 설립한 베니스의 새로운 예술 공간인 팔라초 디에도에서 열리는 첫 전시다. 이 전시를 위해 우르스 피셔 Urs Fischer, 카르스텐 횔러 Carsten Höller, 리우 위 Liu We, 이브라힘 마하마 Ibrahim Mahama, 스털링 루비 Strling Ruby, 짐 쇼 Jim Show, 스기모토 히로시 Hiroshi Sugimoto, 이우환 등 11명의 예술가들이 모여, 건축가 안드레아 티랄리 Andrea Tirali가 설계한 18세기 건물의 건축에 맞는 전시를 구성했다.

장소 팔라초 디에도 Palazzo Diedo 기간 11월 24일까지

 

7 저글러스 리벤지 The Juggler’s Revenge

베니스에 오면 페기 구겐하임 컬렉션은 필수 방문 코스다. 피카소와 르네 마그리트의 작품을 실컷 볼 수 있는 상설 전시는 언제 보아도 아름답고, 기획 전시도 고유의 독창성이 있다. 기획 전시 <저글러스 리벤지>의 주인공 장 콕토는 20세기 가장 영향력 있는 인물 중 한 명이다. 다작을 한 그는 이번 전시에서 150여 점의 다채로운 장르를 포함한다. 자신을 시인이라고 했지만, 미술과 음악부터 여행기, 회고록 등 여러 전시 형식에 이르기까지 혁신적 르네상스맨임을 알 수 있다.

장소 페기 구겐하임 컬렉션 The Peggy Guggenheim Collection 기간 9월 16일까지

 

8 쩡판즈 Zeng Fanzhi: Near and Far/Now and Then

쩡판즈는 가장 주목받는 중국 미술가다. 그의 전시에 LACMA 미술관이 기획을 맡았고, 안도 다다오가 디자인을 담당했으니 더 이상 무슨 설명이 필요할까? 16세기 수녀원으로 사용된 이 성스러운 공간에 쩡판즈는 불교와 기독교의 이미지를 차용한 강렬한 신작을 선보인다. 사진 촬영이 금지된 공간도 있는데, 중국화의 전통을 이어받은 작품들이 걸려 있어 매력적이다.

장소 스쿠올라 그란데 델라 미세리코르디아 Scuola Grande della Misericordia 기간 9월 30일까지

 

9 신성희 Shin Sung Hy

팔라초 카보토는 베니스 비엔날레 기간마다 이승택(2017), 이강소(2019), 이건용(2022) 등 한국 현대실험 거장의 전시가 열린 곳. 이번 <신성희>전은 평면 화면에서 입체를 꿈꾼 신성희 작품 세계의 정수가 담긴 〈박음 회화(꾸띠하주)〉 연작(1993-1997)과 〈엮음 회화(누아주)〉 연작(1997-2009) 19점을 엄선해 소개한다. 신성희는 1980년대 파리로 이주해 30년을 살면서 한국과 프랑스 미술계의 흐름인 단색화와 전위미술 단체 쉬포르 쉬르파스 작가의 작품을 가까이에서 경험했다. 평면 화면에서 입체 회화를 표현하기 위한 오랜 탐구가 있었음을 엿볼 수 있는 아름다운 전시.

장소 팔라초 카보토 Palazzo Caboto 기간 7월 7일까지

 

10 인비저블 퀘스턴스 댓 필 디 에어 Invisible Questions that Fill the Air

이승택과 제임스 리 바이어스(James Lee Byars)의 2인전. 작품에 쓰인 금, 암석, 나무, 밧줄의 조합은 베니스 건축에 쓰이는 전통적 소재다. 두 작가의 시와 철학은 팔라초 로레단의 화려한 도서관에서 공통의 기반을 찾게 되었다. 제임스 리 바이어스와 이승택은 1932년 지구 반대편에 자리한 서로 다른 두 장소, 디트로이트와 함경도에서 태어났다. 한 번도 만난 적 없지만, 그들 작품에는 놀랍고도 예상을 뛰어넘는 유사점이 보인다. 다양한 형식과 개념을 아우르며 특정 사조에 얽매이는 것을 거부하고 있음을 발견할 수 있다.

장소 베네토 과학예술문학연구소 팔라초 로레단 Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed Arti Palazzo Loredan 기간 8월 25일